Naciones Unidas Artículo Que me llamo obtenidos, Música, maestro, por favor! La Actividad cerebral SE MIDE EN Cierta forma. Existen 3 maneras en este artículo. Las formas incluyen: PET, fMRI, y MEG. Existencial 3 Maneras En Este Artículo. Las Formas Incluyen: PET, fMRI, y MEG. Mascotas significa tomografía por emisión de positrones. Mascotas SIGNIFICA la tomografía Por Emisión de positrones. Esto es cuando toman una imagen del cerebro y medir la emisión de positrones. ESTO ES de Cuando Toman Una imagen del cerebro y Medir la Emisión de positrones. FMRI significa FMRI SIGNIFICA la resonancia magnética funcional. Resonancia Magnética por imágenes funcional. Lo que hace es señalar la localización exacta de la actividad que está sucediendo en el cerebro. Lo Que hace es señalar la de localización exacta de la Actividad Que ESTÁ sucediendo en El cerebro. MEG, que es la abreviatura de electroencefalografía y magnetoencefalografía, medir las neuronas en la corteza cerebral que existen cerca del cráneo. MEG, Qué es la abreviatura de electroencefalografía y magnetoencefalografía, Medir Las neuronas en la corteza cerebral Que existencial Cerca del Cráneo. También registra la actividad eléctrica y electromagnética dentro de esas neuronas. Also registro y la Actividad Eléctrica Electromagnética Dentro de los SEE neuronas. (Abad 1) (Abad 1) Los estudios en la corteza auditiva (ver figura 1) han demostrado que existe un efecto definitivo en esa zona mientras se escucha música. S El nivel de procesamiento de visión son menos definidas que los niveles de procesamiento para la audiencia. Los Estudios en la corteza auditiva (ver figura 1) Que Han demostrado existe sin Efecto definitivo en la ESA zona MIENTRAS se Escucha música. S El Nivel de Procesamiento de hijo visión definidas Menos Que Los Niveles de Procesamiento párr la Audiencia. La audiencia se realiza en la corteza primaria. La Audiencia sí realiza en la corteza primaria. El tálamo, que es la parte clave del cerebro que recibe la entrada del oído, identifica el tono y el volumen de lo que está escuchando. La corteza secundaria, situada en el centro del cerebro, puede seleccionar la melodía, el ritmo y la armonía. El Tálamo, Qué es la instancia de parte clave del cerebro Que recibe La Entrada del Oído, la identificación y El Tono El volumen de Lo Que ESTÁ Escuchando. La corteza Secundaria, situada en El Centro del cerebro, PUEDE SELECCIONAR la melodía, ritmo y El La Armonía. Lo que une estas juntas se piensa que la corteza auditiva terciaria. Lo Que une ESTAS juntas sí Piensa Que La corteza auditiva Terciaria. (Abad 1) (Abad 1) ¿Alguna vez has estado en el coche en su camino a la escuela o se sienta en clase y que acaba no puede obtener una melodía de la cabeza? ¿Alguna Vez ha Estado en El Coche En Su Camino a la Escuela o en sí Sienta Acaba Que Clase y no obtener PUEDE Una melodía de la Cabeza? Andrea Halpern, un cantante experimentado y un psicólogo cognitivo de la Universidad de Bucknell en Lewisburg, Pennsylvania, ha hecho muchas pruebas para observar el cerebro mientras que está expuesto a la música. Andrea Halpern, experimentado cantante sin psicólogo cognitivo y de las Naciones Unidas de la Universidad de Bucknell en Lewisburg, Pennsylvania, ha hecho "Muchas Pruebas párr Observar El cerebro MIENTRAS ESTÁ Que expuesto a la Música. Lo que encontró fue muy interesante. Encontro Lo Que FUE Muy Interesante. A excepción de la corteza primaria tranquila, las zonas que habían descubierto recientemente deben verse afectados eran en realidad afectados y no había movimiento en las áreas correctas con exposición a una melodía determinada. A Excepción de la corteza Primaria tranquila, Las Zonas Que habian Descubierto recientemente verso Deben Afectados Eran en Afectados y realidad no habia Movimiento en Las áreas correctas Con una Exposición Una melodía determinada. La corteza primaria, que se quedó quieto, "Las señales son más débiles, pero la música se reproduce en tiempo real, y los sujetos reaccionan de la misma manera como lo hacen cuando se escucha música". Halpern dijo. La corteza Primaria, Que Se Quedó quieto, "Las Señales débiles Son Mas, Pero la Música sí se reproducen en Tiempo real, reaccionan y Los Sujetos de la Misma Manera Como lo Hacen de Cuando se Escucha música". Halpern DIJO. (Abad 2) (Abad 2) Pero fue esta nueva creación experimento demasiado bueno para ser verdad? Pero ESTA FUE Nueva Creación Experimento demasiado bueno servicio párr Verdad? ¿Podría algún instrumento realmente aumentar nuestra corteza cerebral? ¿Algún Instrumento podria realmente Aumentar Nuestra corteza cerebral? En un estudio realizado por Pantev demostrado una vez más diferentes. En las Naciones Unidas Estudio Realizado Por Pantev demostrado Una Vez Más Diferentes. Demostró que la ampliación depende del instrumento en cuestión. Demostró Que La Ampliación Depende del Instrumento en Cuestión. Esta fue conducido en 2001, por lo que no es mucho la nueva investigación ha encontrado que es lanzado al público, por lo que esta sigue siendo la nueva información. This FUE conducido en 2001, lo Por Que No Es Mucho La Nueva Investigación ha Encontrado Que es Lanzado al Público, Por Lo Que Sigue siendo ESTA La Información Nueva. El estudio que llevó a cabo Pantev implicados un trompetista y un violinista. El Estudio Que Llevo un cabo Pantev Implicados trompetista y violinista de la ONU de la ONU. La corteza cerebral del violinista reaccionó de una manera más pequeña para cuando escuchaba música de las trompetas, y el cerebro trompeta jugadores reaccionaron de una forma más pequeña para cuando escuchó la música de violines. La corteza cerebral del violinista reaccionó DE UNA Manera Más Pequeña párrafo de Cuando escuchaba música de las trompetas, Los jugadores del cerebro y trompeta reaccionó DE UNA Manera Más Pequeña párrafo de Cuando escucho la música de violines. Pero al escuchar a su propio instrumento, que es cuando la activación real sucedido. Escuchar Pero al A Su Propio Instrumento, Que es Cuando La activacion sucedido de verdad. (Abad 2) (Abad 2) Pantev ha dedicado su vida entera a los estudios de música los temas relacionados con el cerebro. Pantev ha Dedicado Su Vida Entera una Estudios de Música de Los Temas Relacionados Los cerebro CON EL. En otro estudio, Pantev encontrado otro resultado muy interesante para escuchar música si eres un músico. En otro estudio, Pantev Encontrado Otro Interesante Muy resultados por una Escucha la música de Músico si eres de las Naciones Unidas. Cuando a tocar el violín, se utiliza la izquierda cuatro dedos para sujetar las cuerdas del instrumento. De Cuando un Tocar El violín, sí utiliza la izquierda, cuatro Dedos párr sujetar Las cuerdas del Instrumento. Naturalmente, al utilizar un músculo, se hace más grande. Naturalmente, al utilizar sin Músculo, sí grande Más liebre. En lo final ", que demostró que los músicos tienen un área más grande de la corteza somatosensorial, (que es la corteza que controla el movimiento de los dedos) para representar cada uno de los cuatro dedos que los no-músicos". "En lo último, la revista Qué demostró Que Tienen Los Músicos de las Naciones Unidas Más grande área de la corteza somatosensorial, (Qué es la corteza Que CONTROLA El Movimiento de los Dedos) párr CADA UNO representar de los cuatro Que Los Dedos sin Músicos". (Abad 2) Ahora sabemos lo suficiente sobre el cerebro y lo que hace, para empezar a hacer conexiones entre todo lo que ocurre dentro de ella, tales como la manera de aprender nuevas habilidades. (Abad 2) Ahora sabemos lo Suficiente Sobre el cerebro Que lo hace y, párr Empezar un HACER Conexiones Entre Todo Lo Que ocurre Dentro de Ella, los cuentos de Como La Manera de Nuevas Habilidades Aprender. La corteza cerebral hace eso. La corteza cerebral hace ESO. Ahora ¿qué pasa si esa zona se incrementaron? Ahora ¿Qué Pasa si ESA zona incrementaron en sí? Según Chris Pantev de la Universidad de Munster en Alemania y sus colegas, demostraron que en 1998 durante un estudio que realizaron, la corteza auditiva se activa más de lo habitual en los músicos al oír una melodía de piano que con los no-músicos. Segun Chris Pantev de la Universidad de Munster en Alemania y colegas y sus, Que demostraron en 1998 las Naciones Unidas realizaron DURANTE Que Estudio, la corteza auditiva sí Activa Más de lo habitual en Los Músicos al Oír Una melodía de piano de Que Con Los Músicos no. También observaron que cuanto antes los músicos había comenzado la práctica de sus instrumentos o la voz, etc, mayor será la ampliación fue en la corteza auditiva. (Abad 2) Also observaron Que Cuanto antes "Los Músicos habia comenzado la Práctica de Instrumentos SUS o La Voz, etc, el alcalde de la Ampliación sueros FUE en la corteza auditiva. (Abad 2) La ubicación de la corteza somatosensorial no se encuentra en la misma ubicación exacta en todos los seres humanos. Pero lo que no se esperaba era que el lugar también se vio afectado de manera diferente por la edad del que la persona comenzó a tocar música. La Ubicación de la corteza somatosensorial de no se encuentra En la misma Ubicación exacta en CADA servicios Humano Único. Pero lo Que No Que Se esperaba era El Lugar Also sí vio afectado de Manera Diferente Por La edad del personaje Que la música comenzo una Tocar. (Abad 2) (Abad 2) Otra idea descubierto que está estrechamente relacionado con el resto de la información es acerca de músicos capacitados. Otra idea Descubierto Que ESTÁ estrechamente relacionado Con El resto de la información ESTÁ entrenado Sobre Músicos. Ellos usan más el lado izquierdo de su cerebro mientras que hace las cosas relacionadas con la música, como el procesamiento porque aprendieron a procesar de forma diferente y más racionalmente, en vez de simplemente consume la misma información. ELLOS Cosas Usan Mas El Lado Izquierdo De su cerebro MIENTRAS Que Las liebres relacionadas Con la música, Como El Procesamiento Porque aprendieron una forma de Procesar Diferente y Más racionalmente, en Vez de consumir la información Simplemente Misma. (Abad 2) (Abad 2) "Aunque, sin duda, la formación vuelve a conectar la corteza cerebral por lo que es muy sensible a cierta información, todavía no está claro si el entrenamiento único que puede crear talentosos músicos, m o si sólo hace que la gente que heredó sus dones más talento." (Abad 2) "Aunque, Duda pecado, la Formación Vuelve a la corteza cerebral Conectarse Por Que lo es Muy sensible Cierta información uno, todavia no ESTÁ claro si El Entrenamiento Único Que PUEDE CREAR Músicos talentosos, Mo Si Sólo que hace la Gente Que heredó SUS dones Más Talento

Despertamos cada día en un mundo que poco nos sorprende. La cotidianeidad ha hecho que todo lo que nos rodea sea obvio y simplemente parte de lo que somos. Las fantasías escasean, los colores poco duran y los cuentos ya no se improvisan antes de ir a dormir. Pareciera que todo ha estado ahí por siempre y que el pasado simplemente ha servido para eso, para que todo este ahí. Del futuro es mejor no hablar porque aunque sepamos todos que cada día el tiempo nos va tomando ventaja, queremos creer, eso si, siempre agarrados de la mano de nuestra arrogancia, que todo lo que viene dependerá de lo que decidamos hoy. Han sido este sentimiento y un cuento lo que me ha motivado a redactar este ensayo... Resulta que hace mucho tiempo existió un reino prospero en el que todo era alegría y felicidad. El monarca, persona instruida en el arte y las armas, gozaba enormemente de la música. Dentro de esta no muy compleja estructura social habitaba un personaje de estatura mediana y complexión robusta que se beneficiaba enormemente del cariño desinteresada que el rey sentía por el y que además, desempeñaba las funciones de "marca tiempos". Este oficio no podía ser ejercido por cualquiera. Antes de una presentación, había que vestirse con un traje muy especial (parecido al de los arlequines) y armarse de un enorme bastón. Una vez colocados los músicos, salía el "marca tiempos" y se colocaba sobre una pequeña tarima de madera ubicada a un costado del escenario. De manera solemne y precisa comenzaba a golpear su bastón contra el escenario, marcando el tiempo y el compás hasta el final de la interpretación. Cierto día nuestro amigo perdió la solemnidad y mientras su atención se enfocaba vaya Dios a saber en que, aquel enorme y puntiagudo bastón fue a clavarse profundamente en su empeine que tanto resaltaba cubierto con esas blancas medias de seda y enfundado en esos relucientes zapatos de tacón. La lesión fue tan fuerte que al cabo de un par de semanas perdió la vida. El rey desconsolado dicto una nueva ley..."a partir de hoy queda prohibido el uso de los marca tiempos". Había que hacer algo y créanme, probaron de todo. Hubo quien quiso marcar el tiempo con la voz, pero se enfrento a que debía de hacerlo de manera afinada y acababa perdiéndose en la estructura armónica de la obra y entre la intensidad de la misma. Intentaron tocar sin indicación de tiempo y aunque en algunos casos se logro, por lo general la orquesta acababa perdiéndose a la mitad de la obra. Intentaron hasta marcar el tiempo moviendo aquel enorme bastón por los aires. El resultado no era malo, pero los músicos acababan preocupándose mas por que el bastón no saliera volando y les pegara, que por interpretar la obra... El tiempo, testarudo y sabio como siempre, siguió su curso y fue así como se llego a lo que hoy conocemos como "la batuta del director". Narrar los hechos del pasado nos da la gran libertad de hacer de ellos lo que nos venga en gana. Reconozco que mi narración carece por completo de datos históricos fehacientes, pero mi intención no es recopilar información para hacer alarde de cultura. Lo que pretendo es plantear la verdad y esta es que nuestra realidad esta compuesta de historias, errores, procesos de pensamiento y de sentimientos, intenciones... simplemente de vida que engendra vida. Esto es lo que define a la orquesta sinfónica. En un escenario vemos, en su máximo esplendor, a la música de occidente. Aquel que simplemente vea a muchos buenos músicos tocando juntos, no será capaz de vibrar con el sentimiento que esto provoca. Pero aquel que vea, en un solo instante, reunida la historia, la vida, los sueños, los triunfos y derrotas de una gran parte de la humanidad, sabrá contagiarse de la emoción de mis palabras. Basta con sentarse en silencio y mirar como el violín lucha por mantener su estatus de líder mientras que los demás de su misma especie lo acompañan en una danza perfecta, casi hipnótica. Los metales jamás pierden conciencia de su función y disfrutan cautivándonos con la belleza de su timbre. El contrabajo calla y acompaña, pero cuidado porque ha decidido hablar y en tan solo un par de segundos ha expuesto, acompañado de una flauta solitaria, un poderoso y único discurso. Y que me dicen de los músicos... con inconsciente devoción y absoluto respeto someten su entero existir a largas horas de ensayos y practicas para dominar a la perfección las técnicas que lograran hacer sonar de la manera mas pura la inspiración caprichosa de los compositores. La orquesta sinfónica es un instrumento por si sola. Una amalgama de colores que invita y somete, que contagia para crear sentido, que genera fantasías y vuelve a improvisar cuentos... La Orquesta Barroca Aunque no ahondaré mucho en el tema, es importante tener clara conciencia de los aspectos sociales, políticos y económicos de cada uno de los periodos que vamos a recorrer. Musicalmente hablando la orquesta barroca siempre estuvo muy "protegida" (aunque me gustaría mas usar la palabra "sometida") por ciertas reglas que se encargaban de su calidad sonora y por circunstancias externas que se encargaban de someterla a sus caprichos. Para poder explicar esto a fondo, es importante hacer un paréntesis y hablar, antes que nada, de cómo estaba conformada la orquesta. Echémosle un vistazo a una de las obras características del periodo... el concierto Brandenburgo No. 3 en G Mayor de Johann Sebastian Bach. La interpretación esta en manos de tres violines (I, II, III), tres violas (I, II, III),tres violonchelos (I, II, III), un violone y un cembalo. Esta dotación nos sirve de ejemplo para definir la formación, la orquesta barroca estaba conformada por mínimo ocho y máximo quince músicos. La razón del porque de un margen tan amplio es que nunca se sabia a la hora de la hora que instrumentos y que cantidad de músicos se iban a tener a mano. El concierto Brandenburgo No. 3 en G Mayor usa once interpretes y en su mayoría son cuerdas, pero por desgracia no podemos utilizar esto ultimo como una verdad absoluta. Una obra estrenada podía ser interpretada una semana después con una formación notablemente reducida o con instrumentos totalmente diferentes. Para cuidar esto se estableció una regla, siempre debía haber presente un continuo y alguno de los miembros de la familia de las cuerdas. El barroco se basaba en una manera de pensar muy definida... La belleza de la música radica en las líneas melódicas, no en sus dinámicas. Esta manera de pensar justifica la regla recién mencionada. Un continuo y un instrumento de cuerda obligarán la interpretación sonora e instrumental de las dinámicas naturales implícitas en la melodía y como acabamos de mencionar, esto resulta vital para el periodo barroco. Pero vayamos mas allá y adentrémonos en el análisis. A lo largo y ancho del concierto Brandenburgo No.3 en G Mayor no encontramos una sola dinámica ni una sola agógica y si nos fijamos en el contrabajo, veremos que siempre esta doblando al violonchelo hasta que este toma la melodía, momento en el que el contrabajo deja de hacer lo mismo e interpreta una nota pedal. Estos dos aspectos que a simple vista parecen no tener nada en común, están en realidad estrechamente vinculados en su porque. Como ya lo había comentado, el barroco se basa en la belleza de las líneas melódicas. Si el contrabajo tomara la melodía o tratara de doblar al violonchelo en los momentos en que este toma la voz principal, obtendríamos un sonido pastoso y poco claro. Esto se debe a los armónicos de los instrumentos y el choque que se produciría por sus respectivos registros. Sabemos que, por naturaleza, el contrabajo tarda en responder a la hora de tratar de hacerlo sonar. Si aun así nos empeñamos en que siga al cello provocaríamos un efecto sonoro poco deseado (Delay). Estos aspectos técnicos no son mas que un reflejo de una clara conciencia del desarrollo instrumental provocada por la necesidad de pertenecer a un estilo que además de todo, demandaba y exigía la presencia de un pulso constante. La combinación de ideas y recursos acababa por ser tan compleja que los compositores se apegaban al principio elemental de las dinámicas poniendo o quitando instrumentos... quiero forte, que toquen todos... quiero piano, callo a todos y dejo al violín. En este mismo orden de ideas encontramos en el barroco el principio de las dinámicas opuestas. Esto es simple, si un pasaje se repite y fue interpretado en piano, se hace un cambio abrupto de dinámica y se interpreta lo mismo pero ahora en forte... por que no. Un aspecto importante en el análisis del concierto Brandenburgo No. 3 son las ya mencionadas duplicaciones. Además del juego entre el contrabajo y el violonchelo encontramos que cuando el fagote aparece, duplica al unísono la línea del violonchelo. Con esto deducimos que aunque escasas, las duplicaciones son un recurso característico del periodo barroco. Las cuerdas en el barroco juegan un papel importante y sin duda son técnicamente el instrumento mas avanzado. Encontramos una serie de indicaciones de arcadas dentro de las cuales predominan el detachè (arcadas alternadas hacia arriba y hacia abajo), legato ( parejo y suave, sin interrupción entre las notas). Además encontramos que todo es interpretado alla corda (a la cuerda). La orquesta barroca... sonido de pulso constante, protegido por reglas que se encargan de su calidad sonora, integrada por un mínimo de ocho y un máximo de quince músicos. Su rasgos mas característicos son el continuo y una cuerda que, junto a los demás instrumentos, presentaran dinámicas naturales implícitas en la melodía, que es la esencia del barroco... donde radica la belleza.

ORIGEN DE LA MUSICA

ORIGEN DE LA MUSICA - Los comienzos del fenómeno musical humano, están completamente envueltos en la oscuridad .El mundo de los sonidos es algo tan incorpóreo y los primitivos instrumentos musicales de características tan desconocidas, que nada de ello ha llegado hasta nosotros .Pero tenemos un interés muy especial en saber como, cuando y por que los seres humanos se expresaron por primera vez en música; como lograron poco a poco concretar una música primitiva, que quizás estaba al servicio de otras funciones de la vida; hacer un arte de aquello y elaborar así una de las mas estimables consecuciones de los humanos. La cuestión de estos principios ha ocupado hace mucho tiempo a la ciencia, especialmente la ciencia de la Música Contrastada, llamada hoy en día Etiología Musical. Solamente se podía hacer hipótesis: Probar a sacar la conclusión del estado de la vida musical de los primitivos grupos de seres humanos, que existen todavía. Y así surge al mismo tiempo la cuestión: ¿ qué es música? Por que podemos adelantar que de todos los elementos que tiene hoy la música, deben existir huellas. Cuando queremos hablar de música debemos decir que hay una serie de sonidos modulados que perduran a través del tiempo. Pero entonces excluimos todas las construcciones que constan solamente de un elemento. Y eso también existe. Se baila a un ritmo que solamente se hace con las manos; en otros casos están los cantos mas sencillos, que carecen de cualquier eslabón con otras épocas. Nos parece que ambas apariciones ya son música aun que solamente en su forma mas primitiva. Pero eso es lo que buscamos, con nuestra cuestión de los principios de la música. Existen una hipótesis que son: La de Charles R. Darwin el gran naturalista; cree que en los gritos de los seres humanos tiene que haber gritos de amor, quizás un canto primitivo era el instrumento masculino de declarar el amor. Si esto fuera real, en las canciones de los nativos dominarían las canciones de amor, pero no es así . Tampoco encontramos en los pueblos primitivos canciones de trabajo, a las que Karl Buecher considera como punto de partida, según el los seres humanos tenían antes los gritos rítmicos para facilitar mas un trabajo en común. Pero nuestros conocimientos actuales nos enseñan que entre los primitivos casi nunca existía el trabajo en común y que mucho menos se desarrolla con cierto ritmo musical. Mas real parece ser la idea de Carl Stumpis, Psicólogo; fundador de la música alemana; dice que la música pudo haber salido de gritos de comunicación , decía que la lengua no era suficiente como medio de comunicación cuando pastores, cazadores, y otros querían comprenderse a distancias grandes, entonces se levanto la voz hasta lo mas alto de su volumen y así llegaba mas lejos, quizás en sonidos agudos y uniformes , y a consecuencia de esto en conexión con la lengua, podrían haberse creado poco a poco los motivos musicales. Finalmente hay otra hipótesis , la significación de la música como una lengua de sonido gutural agudo , según Rousseau Herder, y también Hevert Spencer, estaban convencidos de que los acentos de la modulación de lo que llamamos “melos” de la lengua , se han creado las primeras piezas musicales. Curt Sachs (1889-1959)se acerca mucho a ello cuando cree de las primeras entonaciones ,enormemente afectuosas ,han salido tanto la lengua que sirve íntegramente como medio de comunicación como el canto espontáneo sin origen ninguno. Aunque nos basamos en simples suposiciones, cuando hablamos de los principios de la música ,podemos hacer un retrato bastante correcto partiendo de la música de los grupos de seres humanos que existen todavía en la actualidad y así acercarnos mas a la cuestión: ¿qué es música?. Encontramos culturas semejantes en la Tierra de Fuego (Sudamérica),en la Wedda (melodía estrecha),utiliza solamente dos, tres o cuatro sonidos en motivos cortos y muchas veces repetidos en escala descendente de simples y rítmicas proporciones ;casi como dos valores de tiempo comparados que ,en su ritmo binario ,nos recuerda el movimiento natural del humano al andar. Poco mas tarde aparecen construcciones musicales que también constan de muy pocos sonidos ,pero que incluyen intervalos mas grandes ,que parecen gritos ,tales como quintas y cuartas. A los comprensibles elementos constituidos por sonido y ritmo se unen además en la música primitiva otras propiedades de expresión, de voz, de dinámica y agógica, en fin que son difíciles de definir. COJURACION MELOPEICA El individuo de un pueblo definido no puede diferenciar ni su entorno ni sus pensamientos, ni sus hechos ,está sencillamente , en el mundo. Los incomprensibles fenómenos de la naturaleza solamente pueden explicárselos como obra de seres invisibles .Seres de los cuales depende de un alto grado de los que hade poner a su favor o defenderse de ellos al nacer, en la enfermedad o en la muerte, en la casa o en la guerra ,siembra y cosecha, lluvia y tormenta .En todas partes hay siempre algo que conjurar, intentando imitar las voces de los seres imaginados .En general, piensa que tendiendo hacia lo extra-humano ,alcanzará más pronto su destino . Esa es la causa de los sonidos inhumanos, la monotonía Hipnótica del canto, las bebidas espirituosas , los castigos corporales y mas. Con el tiempo se enriquecen los medios musicales y el proceso ha podido durar muchos siglos, pero la música se desvía poco a poco de sus conexiones íntegramente culturales. A esos primeros elementos, que aparecen enajenados de manera extraordinariamente diferenciada , y que hasta hoy en día están en todas las culturas musicales, incluida la occidental, corresponden las primeras construcciones fundamentales,

Verdarera musica como hoy la entendemos. Varias regiones fueron destruidas por cataclismos naturales, los libros antiquisimos hablan de ello, es El Diluvio del que habla La Biblia. Quizas se trate de inundaciones catastroficas provocadas por los grandes rios pero no por eso menos devastadoras. Ciudades enteras fueron destruidas con sus habitantes y sus tesoros. En cambio se han encontrado instrumentos de musica, escritos, esculturas de la epoca que siguio al Diluvio, etc. Los que escaparon del Diluvio entre el Tigris y el Eufrates tocaban la flauta de plata, el arpa, la lira, el tambor o el laud. La musica en Egipto En Egipto, tierra de las piramides y la esfinge, la musica es un misterio. Se admite su influencia sobre la cultura musical griega y la existencia de indicios sobre instrumentos conservados. Se deduce que los egipcios poseian instrumentos de cuerda viento y percusion ya que se encontraron en algunas tumbas faraonicas figuras de flautas. Empleaban el movimiento de la mano, para indicar la ondulcaion melodica marcaban el ritmo con palmadas, cistros platillos y tambores. Tambien para indicar la marcha de la melodia se valian de movimientos de las manos. La musica se la asignaba con una doble posibilidad, por un lado la capacidad de motivar en el hombre una sensacion (gozo y alegria) y por otro lado el de crear sensaciones de naturaleza mistica y magica. La musica en la antigüedad consistio en la extereorizacion de los sentimientos del hombre a travez del sonido de su propia voz. Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podian producir sonidos. Los diferentes instrumentos musicales primitivos estan clasificados en: Autofonos: Aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que estan construidos. Membranofonos: Serie de instrumentos mas sencillos que los construidos por el hombre, por ejemplo tambores hechos con una membrana tirante sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de resonancia. Cordonofonos: De cuerda, por ejemplo el arpa. Aerofobos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos fue la flauta, construida con un hueso con agujeros. La musica en Grecia Los griegos componian musica sobre la base de tipos de musica ya consagrados o sea: no creaban musica. Solian agregarle un determinado esquema musical a diferentes poesias o alteraban su ritmo dando nacimiento a otras obras musicales. Tenian generos melodicos muy variados: Prosodia: canto entonado cuando la procesion se dirigia al templo. Hipoquerma: melodia asociada a movimientos corporales propios de danzas griegas. Ditirambo: cancion en honor de Dionisio o Baco (Dios del Vino) Pean: himno en homenaje a Apolo. Treno: canto funebre y doliente creado por Linos. Elegia: carácter triste. Himeneo y Apitalemio: carácter alegre para el casamiento. Sobre la base de estos generos se elaboro toda la musica lirica en Grecia, pero se fueron introduciendo otros generos liricos como: Dafneforicas: entonados por portadores de laurel. Oscoforicas: entonados por quienes llevaban una rama de vid. Tipodeforicas: entonadas por 2 personas que cargaban tripodes. El sistema musical se nutrio de los principios de Pitagoras. Los antiguos griegos dividian el marco melodico en 2 cuartas. En las celebres fiestas nacionales se organizaban procesiones en las cuales se danzaba y cantaban ditirambos. En las representaciones teatrales el coro era un personaje importante en las tragedias griegas. La musica en Roma Roma conquisto militarmente a Grecia pero el vigor y el esplendor de la civilizacion griega domino al nuevo imperio. Las artes, las ciencias, la filosofia pasaron a integrar el pensamiento romano. La tragedia y la musica griega se afincaron en la peninsula desarrollandose a la manera romana, tomando caracteristicas que en muchas oportunidades desvirtuaron el significado estetico que la musica habia alcanzado entre los griegos. En Roma tuvieron gran auge las fiestas musicales consistentes en brillantes cortejos formados por centenares de musicos y coros inmensos que recorrian la ciudad. De todos los ambitos del Imperio acudian a Roma los “musicos virtuosos”, verdaderos showmen a quienes interesaba brindar un espectaculo lleno de excentricidades. Habia celebres artistas que se hacian pagar muy bien y que llevaban una vida de lujo. Entre los mas famosos sobresalieron los griegos como Terpnos, gran citarista y maestro de Neron, Polon, etc. En los teatros romanos edificados a la manera griega se comenzo a reperesentar “ comedias”, siendo los principales autores Plauto y Terencio. La Tragedia no tuvo mucha aceptacion su principal cultor fue Seneca. Entre las obras del filosofo quedaron algunas como Medea, Las Troyanas y Agamenon. Los romanos utilizaron instrumentos de distintos pueblos de la antigüedad. Roma tuvo bajo su poder a pueblos enteros que a su vez aportaron sus tradiciones al mundo romano. Los instrumentos solistas mas importantes fueron: la lira, la citara, el aulos, el oboe, el cerni, tambien los platillos y los timbales. El pueblo romano se preocupo por la musica y el lenguaje, por ejemplo, algunos oradores estaban acompañados por un flautista. Desarrollo de la musica en el Lejano Oriente La musica en China: En China el emperador Shih Huang-Ti fue quien ordeno la destruccion de todos los libros. Todo lo que se sabe del pasado de China se sabe por leyendas o por la enseñanza oral de los sabios que preservaron la antigua cultura. La musica en China atrajo a viajeros occidentales que visitaban ese pais anciosos de novedades. Los chinos diferenciaban las notas de la musica, las notas eran para los hombres ordinarios , la musica a los hombre sabios. Linr-luen, de profesion sabio, invento la teoria musical china, una teoria tan perfecta que ha servido hasta nuestros dias. Creo la gama china, cortando caña de longitudes bien calculadas y soplando en su interior. Los chinos formaron la escala que los europeos llamaron “cromatica”, descubierta por el maestro de musica de Hoan-Ti. Inventaron instrumentos con diferentes materias primas y los dividieron en 8 grupos: piedra, metal, seda, bambu, madera, cuero, calabaza y tierra. Entre los instrumentos de viento estan las flautas de Pau, la flauta de bambu con orificios, las flautas traversas y las trompetas. Entre los de cuerda estaba el Kin, el Che, el Pi-pa.

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Comunmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y el primer Beethoven. Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno, toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza. En fin, lo que define a esta música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Es hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personalpara llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más notable: No es estática, está en un contínuo recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras culturas. Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una limitante temporal. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista. Se excluyen las músicas medieval y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes. Se excluyen también la oriental y la africana, sin desconocer sus valores. Y es que esta música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales. Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica. Normalmente en música entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810. ESENCIA DEL CLASICISMO Es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es l a que refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas; por ello el Clasicismo lleva consigo una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un período de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar. CUALIDADES QUE DEFINEN LA MUSICA CLASICA •Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica. •Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folklórica. •Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares. •Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. •Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro. •El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento. •La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que sea un arte que se sostenga por si mismo, sin propósitos concretos. •La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas. •Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda Europa enormemente la música. LAS FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO De lo dicho anteriormente se deduce que lo esencial en este período es el respeto a las formas, a la ley y a la norma, dado que, para llegar a esa perfección que pretende el Clasicismo, lo primero que hay que hacer es respetar las leyes musicales. Es así como en este período va a tomar una enorme importancia la Sonata y la Sinfonía. LA SONATA Sonata (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más instrumentos. Por una parte, el término forma sonata se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas Esta forma había surgido ya en el período barroco, pero ahora cambia, imponiendo una forma muy estricta que debe de seguir el músico. Puede tener tres o cuatro tiempos o partes (sonata tripartita o cuatripartita), siguiendo este esquema: A Introducción............modulante Exposición a)I tema...................en el tono principal b)puente...................modulante c)II tema...................en un tono vecino I ALLEGRO B Desarrollo Desarrollo temático modulante A' Reexposición a')I tema.............en el tono principal b')puente.............modulante c')II tema.............en el tono principal pequeña coda Coda Con dos temas Romanza sin palabras Primer tema II ADAGIO Segundo tema Andante o Repet. del primero Largo Coda (tono vecino) Con un solo tema Tema con variaciones Primer Exposición del tema Se toca cada período: Breve episodio y una dos veces (minuetto repetición del tema propiamente dicho) III MINUETTO Segundo periodo Tema Se tocan dos o SCHERZO Episodio y repetición veces cada una del tema Tercer periodo Repetición exacta del primero, tocando una sola vez cada parte IV FINAL: Primera forma: Como el primer tiempo allegro Segunda forma: Rondó Tema que se repite varias veces (4o5) separado o Presto por episodios (tono pral.) Coda Al primero de estos cuatros movimientos se le suele denominar por antonomasia esquema de sonata, que consta de: A................EXPOSICION B.................DESARROLLO A'................REEXPOSCION Es importante tener en cuenta que este esquema es aplicable a la Sinfonía, Duo, Trío, Cuarteto, Quinteto, Sexteto u Octeto, que no son sino sonatas para orquesta o grupos de dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete u ocho instrumentos, pero con la estructura de sonata. En los siglos XVI y XVII el término sonata, que aparecía con creciente frecuencia en los títulos de las obras instrumentales, significaba meramente pieza sonora instrumental distinguiéndose así de las composiciones vocales. El término no implicaba entonces una forma o estilo de composición específico. La forma y el estilo se desarrollaron en Italia a finales del siglo XVI y principios del XVII, al cultivarse por vez primera la música instrumental a gran escala. La forma tenía varias secciones claramente delineadas en tiempos y texturas contrastantes, como una sección tipo danza seguida de una melodía lenta con acompañamiento, a la que seguía una sección rápida en forma de fuga. Dichas composiciones no necesariamente se llamaron sonatas; más a menudo se utilizaban los términos ricercare o canzona. Durante la década de 1630 el número de secciones en dichas piezas tendía a disminuir a tres o cuatro, mientras que aumentaba la longitud de las secciones restantes y la estructura formal se volvía más compleja, incorporando relaciones a largo plazo en las que intervenían el ritmo, la armonía, la melodía y otros rasgos musicales. Finalmente, las secciones se convirtieron en movimientos separados. Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías: la sonata da chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos con la estructura lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la complejidad del contrapunto de los más antiguos ricercare y canzona; y la sonata da camera, o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con origen en la danza, precursora de la suite. La combinación instrumental más típica para la sonata durante el barroco medio y tardío fue la sonata a trío: dos instrumentos melódicos acompañados por el bajo continuo (un instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento armónico). El maestro por excelencia de la sonata a trío del siglo XVII fue el violinista italiano Arcangelo Corelli. También se escribieron sonatas para pequeños conjuntos instrumentales (incluidas muchas de Corelli) y para instrumentos solistas, como las sonatas de Johann Sebastian Bach para violín y para violonchelo solistas, y las sonatas para teclados solistas del alemán Johann Kuhnau. También se escribieron obras para un único instrumento melódico y bajo continuo, entre ellas las sonatas para violín del austriaco Heinrich von Biber, autor de las admirables sonatas del Santo Rosario para violín. Durante la época preclásica y del clasicismo temprano, la sonata da chiesa, influida por la sonata da camera, evolucionó hacia una forma definida de tres o cuatro movimientos, el primero de los cuales generalmente estaba en forma sonata y poseía un tempo moderadamente rápido, el segundo tempo lento, y el movimientofinal, en tempo rápido. Cuando se componía un cuarto movimiento, había un minué que se insertaba antes del movimiento final. A mediados del siglo XVIII el término sonata comenzó a utilizarse únicamente cuando el medio interpretativo era un instrumento de teclado solista o algún otro instrumento solo acompañado por un teclado. La forma sonata junto con sus principios, influyeron en la música de la época, no sólo en las sonatas instrumentales, sino también en las sinfonías, los conciertos y los cuartetos de cuerda, así como en otro tipo de música de cámara. La sonata clásica queda ilustrada con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, los grandes maestros del clasicismo vienés. Al igual que la mayoría de los compositores del siglo XIX, Beethoven escribió sonatas en cuatro movimientos, pero en sus últimos años a veces abandonó la disposición propia de la sonata en favor de una cantidad de movimientos menor o mayor. Durante el siglo XIX, la tradición de la sonata clásica se mantuvo en manos de compositores austriacos y alemanes del romanticismo como Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms. Sin embargo, muchos compositores, entre ellos el pianista polaco Frédéric Chopin, tenían más facilidad para las piezas cortas que para las obras de mayores dimensiones; cuando escribían sonatas, tendían a no tomar en cuenta las relaciones musicales a gran escala y escribían movimientos sorprendentemente diferenciados, cuya estructura interna realzaban haciéndoles corresponder unos episodios diferenciados. Otros, como el pianista húngaro Franz Liszt, no tomaron en consideración gran parte del esquema tradicional. Su Sonata en si menor es una obra larga en un movimiento, que se parece al planteamiento del poema sinfónico. Los compositores del siglo XX han seguido esquemas muy diferentes para escribir sus sonatas. Algunas, como las de Samuel Barber, son largas piezas escritas en la tradición del siglo XIX. Otras, como las del ruso Ígor Stravinski, han vuelto a los principios clásicos de la contención y la claridad formal. Un tercer grupo, como las del estadounidense Charles Ives, utilizan el término sonata de forma indefinida para sugerir en la mente del oyente las grandes tradiciones del pasado, pero con una estructura y carácter que tienden al individualismo. El significado del término sonata, por todo ello, está volviendo a su definición original, algo ambigua, como pieza instrumental sin que implique de modo necesario unas características predeterminadas LA SINFONIA Sinfonía (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII. La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuelaitaliana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que hemos visto: 1º Allegro 2º Adagio o Andante 3º Minuetto o Scherzo 4º Allegro Finale o Rondó LA CANTATA Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de Iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania, durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian Bach y otros compositores, evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano. Bach hizo de la cantata de Iglesia el centro de su producción vocal, si bien también compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del café. LA OPERA Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta. Periodos Preclásico y Clasicismo de la Opera Varios compositores intentaron, a mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e instrumental. El compositor más importante de esta época fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Uno de los factores que contribuyeron a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera cómica, que recibía varios nombres. En Inglaterra se llamaba ballad opera, en Francia opéra comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera buffa. Todas estas variaciones tenían un estilo más ligero que la opera seria italiana. Algunos diálogos se recitaban en lugar de cantarse y los argumentos solían tratar de gentes y lugares comunes, en lugar de personajes mitológicos. Estas características pueden verse claramente en la obra del primer maestro italiano de la ópera cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían más énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de óperas serias de dar más realismo a sus composiciones. El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790), muestran la genialidad de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos. Los singspiels de Mozart en alemán van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de inspiración masónica de La flauta mágica (1791). EL CONCIERTO Concierto (género musical), composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla de colores tonales instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado, bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este estilo concertante fue desarrollado especialmente por el compositor italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus libros de madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi, el compositor alemán Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en alemán. Este concepto siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las muchas cantatas sacras de Johann Sebastian Bach que llevan el título de concertos. El Concierto Clásico A mediados del siglo XVIII el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó gradualmente al violín como instrumento solista preferido. Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió los conciertos más importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron la consagración definitiva a su desarrollo. Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. Los primeros movimientos se construían como una variante del ritornello. Tanto éste como la primera sección solista se parecían a la sección de la exposición del primer movimiento de una sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una gran audiencia. HISTORIA DEL CLASICISMO El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a quien habría que tener en cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la Austriaca donde surgen los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los Stamitz, Cramer, etc. CONSTITUCION ORQUESTAL En el siglo XVIII la Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos fomenta ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad. Los conjuntos instrumentales adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus individuos. El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va cediendo el paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto instrumental. PRINCIPALES EXPONENTES SEGÚN PERIODO DE MÚSICA Barroco •Canons and Fugues of J.S. Bach •George Frideric Handel, 1685-1759. •Johann Sebastian Bach, 1685-1750. •The Heinrich Schütz , 1585-1672. Bach (Juan Sebastián) {Biografía} {Música} (1685-1750). Principal representante de la música alemana del período barroco tardío, que en su tiempo gozó de la admiración pública tanto como en nuestros días, por su extremada maestría como intérprete del clavecín y perfeccionado del pianoforte (piano), así como organista. De familia originalmente húngara, él nació en Eisenach Turingia, bajo el signo de Piscis. Su padre era un consumado violinista en la corte ducal de Eisenach. A la muertede sus padres, quedó al cuidado de su hermano mayor, Juan Cristóbal Bach, quien era organista en Ohrdruf, y hacia 1700 a los 15 años, participaba ya en el coro de los niños pobres de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, donde pudo familiarizarse con las sutilezas de la ejecución de teclados y de la composición musical, con el gran maestro Dietrich Buxtehude. En 1708 entró al servicio de los duques de Weimar, y su maestría ya resultaba asombrosa, y su carrera no se detuvo hasta su muerte. Musicalmente, la creación de Juan Sebastián Bach corresponde a una etapa de transición en que se Incorporan a ella conceptos más abstractos y, al mismo tiempo, se procura tocar la afectividad profunda del hombre laico, fuera del medio religioso. Sus obras más célebres, que a muchos entendidos parecen la cumbre absoluta del arte musical, son, El Arte de la Fuga, las Variaciones Goldberg, su Doble Concierto para dos Violines y Orquesta, la Pasión Según San Mateo, los Conciertos de Brandemburgo y, por sobre todas, la Ofrenda Musical, donde su maestría alcanza a límites sobrehumanos de complejidad y belleza impecable. Clásico •Antonio Soler •Johan Helmich Roman •Mannheimer Schule •Tromlitz, Johann George, 1725-1805. •W. A. Mozart 1756-1791. Mozart (Wolgang Amadeus) {Biografía} {Música} Compositor alemán (1756-1791). Niño prodigio, desde los cuatro años de edad viajó por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos, sonatas, cantatas, Requiem, Tedeum, Ave verum, etc. Cronología Mozartiana 1756.- Nace en Salzburgo, Austria, el 27 de enero. Hijo de Leopold Mozart, músico de la corte del arzobispo Segismundo von Schrattenbach, y de Anna María Pertl. 1759.- Comienza a encontrar acordes en los instrumentos de teclado y a recordar pasajes oídos (3 años de edad). 1760.- Su padre le enseña pequeñas piezas de piano que él toca correctamente (4 años de edad). 1761.- Compone pequeñas piezas para piano, que sorprenden a su padre (5 años de edad). 1762.- Primer viaje a Munich por tres semanas (6 años de edad). Con su padre y hermana tocan ante el elector de Baviera. 1763.- Extensa gira de conciertos por munich, Augsburgo, Heildelberg, Frankfurt, Coblenza, Bruselas, Colonia y París. Compone las primeras Sonatas para clave y violín (7 años de edad). 1764.- Toca en numerosos conciertos. Es invitado por Luis XV. Viaja a Londres con su familia. 1765-66.- Conciertos en las principales ciudades europeas. 1767.- Regresa a la ciudad natal donde enferma. Romanticismo •Alexander Nikolaievich Scriabin, 1872-1915. •Anton Bruckner, 1824-1896. •Antonin Dvorak, 1841-1904. •Arthur Seymour Sullivan, 1842-1900. •Beethoven, 1770-1827. •Edvard Grieg, 1843-1907 •Gábor Darvas 1911-1985. •Gustav Mahler, 1860-1911. •Hector Berlioz, 1803-1869. •Johannes Brahms, 1833-1897. •Richard Strauss, 1864-1949. •Richard Wagner 1813-1883. Beethoven (Ludwig van) {Biografía} {Música} Célebre compositor alemán, autor de la opera Fidelio y de sonatas y sinfonías admirables. Escribió más de 300 composiciones. Al final de su vida padeció completa sordera. Nació en Bonn en 1770; murió en Viena en 1827. Se le considera como la culminación de la llamada Escuela Clásica de Viena, y, como renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental, llevó a la perfección el género sinfónico. Entre sus particularidades técnicas, se cuenta el haber desechado el clásico ritmo de minuet por el más vigoroso del scherzo, obteniendo así contrastes emotivamente más intensos y aumentando la sonoridad y variedad de texturas en las sinfonías y música de cámara. Como músico, recibió la consideración y admiración de sus contemporáneos y él, que había comenzado a ganar el sustento de su hogar a los 16 años, terminó su vida en un confortable bienestar económico. El día de su funeral, más de 20.000 vieneses acudieron a rendirle homenaje. Cronología Beethoveniana 1770.- El 16 de diciembre nace Beethoven en Bonn, donde es bautizado al día siguiente. Hijo de Johann van Beethoven y María Magdalena Keverich. 1778.- Sepresenta en sus primeros conciertos. Su padre rebaja su edad en un año, engaño en que Ludwing se mantendrá por mucho tiempo. 1782.- Comienza a tomar clases con el organista de Bonn C.G. Neefe, y publica las primeras series de Variaciones para piano. 1784.- Inicia su amistad con la familia Breuning y se le nombra organista de la Corte. 1787.- Primer viaje a Viena. Probable encuentro con Mozart, quien haría un estimulante juicio sobre el músico. Muere su madre. 1788.- Es nombrado viola de la orquesta del Teatro de la Corte. 1790.- Compone Cantata a la muerte de José II. 1792.- F. J. Haydn, de paso en Bonn a su regreso de Inglaterra, conoce a Beethoven. En noviembre viaja a Viena, donde se establecerá. Muere su padre. 1793.- Beethoven toma clases con F. J. Haydn. Se da a conocer como pianista e improvisador. 1794.- Toma clases con J. Schenk, A. Salieri y J. Albrechtsberger. 1795.- Debuta como solista de sus primeros conciertos para piano y orquesta, en el Burgtheater de Viena. 1796.- Realiza una gira como concertista por Praga, Dresde, Leipzig y Berlín. No le satisface la recepción del público. 1798.- Confiesa a Wegeler y Amenda los primeros síntomas de su sordera. Sonatas para piano Opus 10. 1799.- Conoce a las hermanas Von Brunswick y a Giulietta Guicciardi. Sonata patética para piano. 1800.- Primera Sinfonía. 1801.- Sonata Claro de Luna, Cuartetos Opus 18. 1802.- Segunda Sinfonía. En el suburbio de heligenstadt escribe a sus hermanos Carlos y Juan el "Testamento". 1805.- Estrena la tercera Sinfonía Heroica, la primera versión de Fidelio en el Teatro An der Wien. 1806.- Cuarta Sinfonía. Estreno del Concierto para violín y orquesta. 1807.- Quinta Sinfonía. Estreno del Cuarto concierto para piano y orquesta. Sexta Sinfonía. 1809.- Sus amigos de la nobleza vienesa le fijan una renta anual, para asegurar su permanencia en Viena. 1810.- Estreno de la música de escena para Egmont, en Hofburgtheater de Viena. 1812.- Música de escena para Rey Esteban. Ruinas de Atenas, de Kotzebue, es estrenada en Pest. Viaje a Teplitz y encuentro con Goethe. Impressionismo •Claude Debussy, 1862-1918. Debussy (Claude) {Biografía} {Música} Compositor francés (1862-1918), de la, escuela impresionista. Obras: Pelleas et Mélisande, Preludio a la siesta de un fauno, Arabesques pour piano, Chansons de Bilitis, La Cathédrale, La Mer y Nocturnes, etc. Siglo XX •William Alwyn •Britten Benjamin, 1913-1976. •Elgar Edward, 1857-1934. •Paul Hindemith •Gustav Holst ,1874-1934. •Herbert Howells , 1892-1983. •Charles Ives, 1874-1954. •Zoltán Kodály , 1882-1967. •Jos Kunst , 1936-1996. •Kenneth Leighton, 1929-1988. •Harry Partch •Arnold Schoenberg, 1874-1951. •Arnold Schoenberg •Dmitri Shostakovich •Jean Sibelius, 1865-1957. •Robert Simpson, 1921- . •John Philip Sousa •Ralph Vaughan Williams, 1872-1958. •Edgard Varese •Heitor Villa-Lobos, 1887-1959. •Kurt Weill Contemporánea •David Carson Berry •Harrison Birtwistle •John Cage •Ronald Caltabiano •Nestor de Hollanda Cavalcanti •Jason Eckardt •Morton Feldman •Matthew H. Fields •Lukas Foss •Jeff Harrington •Christos Hatzis •Anthony Hedges •Carlos Gomes •Daron Aric Hagen •Hosokawa Toshio , 1955- . •David A. Jaffe •Reine Jonsson •George Lloyd •James MacMillan •Alexander Mihalic •Mark M. Moya •Frank Tveor Nordensten •Arvo Pärt, 1935- . •Douglas Quin •Reale-Rydell •Chris Sansom •Michael Torke •Peter Vermeersch •Iannis Xenakis Comentarios Martes, 22 de Enero de 2008 a las 11:52 | 0 paco tomás zamora En el listado de compositores que aparece en la música contemporánea (la cual me encanta), debería aparecer Karlheinz Stockhausen como sucede con Xenakis. La importancia de este alemán es fundamental no sólo para la música serial (serialismo integral), sino como referente en la música electrónica, de la cual fue uno de los fundadores ("el canto de los adolescentes"). Del mismo modo debería aparecer Pierre Boulez, ya que el serialismo no sería nada sin él("el martillo sin dueño)... y quizás luego recuerde alguno más importante de los que allí aparece. Gracias. .. Lunes, 14 de Enero de 2008 a las 20:46 | 0 francisca Rodriguez P Hola, quiero felicitarlos y agradecer que dediquen este espacio para la cultura. Existen muchos autores que no conocia y que no dejan de ser importantes. Para mi es lo mas sublime que hemos recibido de nuestros sntepasados y que jamas pasara de moda. .. Martes, 2 de Octubre de 2007 a las 16:22 | 0 Sin nombre Sin nombre Esta muy buena la información, y muchas gracias porque me ayudo mucho con una tarea. .. Lunes, 6 de Agosto de 2007 a las 08:50 | 0 Sergio Sergio Muy regular. No trató el tema del título a profundidad se desvió en otros temas. .. Martes, 30 de Enero de 2007 a las 18:27 | 0 avril lavigne Yo creo que la música clásica fue muy importante y lo seguirá siendo porque fue una nueva forma de expresarse y eso es lo mas importante, que existan nuevas formas para decir lo que sentimos, no a muchos les interesa este tipo de música porque es algo tranquila y no muchas personas les gusta eso pero yo creo que si somos pacientes y la escuchamos con claridad a todos nos puede llegar a gustar este y muchos mas tipos de música, puede llegar a ser muy difícil pero con un poco de iniciativa yo creo q todos lo podemos hacer y descubrir lo buena que es este tipo de música, pero sobre todo es interesante porque nosotros no nos damos cuenta de cómo los compositores les es tan “fácil” en cierto sentido hacer esta música y demostrar lo que sienten sin ni siquiera decir una sola palabra yo creo que ha de ser algo complicado porque si a veces a nosotros nos cuesta trabajo hablar con alguien, que ellos lo digan con sonidos y sin hablar es algo muy padre y súper interesante, esta muy bien y pues mi respeto para esos compositores que pues la neta se la rifan haciendo la música clásica porque es una nueva enseñanza para nosotros. ..Mostrando 1-5 de un total de 7 comentarios. Páginas: 1 2 Siguiente .El comentario ha sido publicado. Para dejar un comentario, regístrese gratis o si ya está registrado, inicie sesión. Agregar un comentario Enviar comentario Los comentarios están sujetos a los Términos y Condiciones -------------------------------------------------------------------------------- Trabajos relacionados Orquesta Sinfónica Nacional Antecedentes. Los Instrumentos de la Orquesta. José de Jesús Ravelo (Chuchú). Sección de Cuerdas. Sección Viento-madera.... El clasicismo Música. Criterios estéticos y estilísticos del clasicismo. Cuando se habla de clasicismo o de romanticismo, por dar un... La Ópera Los orígenes. El estilo napolitano. Difusión. Periodos preclásico y clasicismo. El periodo del romanticismo. Finales del... Ver mas trabajos de Musica Nota al lector: es posible que esta página no contenga todos los componentes del trabajo original (pies de página, avanzadas formulas matemáticas, esquemas o tablas complejas, etc.). 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HISTORIA DE LAMUSICA

NADA SABEMOS A CERCA DE LOS ORIGENES DE LA MUSICA ESTAN DEMASIADO LEJOS DE NOSOTROS ANTE LA POSIBILIDAD DE HALLAR DATOS CONCRETOS HAN ESTUDIADO ,LOS HERUDITOS ,MANIFESTACIONES MUSICALES QUE VIVEN EN UN ESTADO PUDIERAMOS DECIR PRIMITIVO Y DE SUS OBSERVACIONES HAN DEDUCIDO POR OBJETO ALGUNAS HIPOTESIS SOBRE EL ORIGEN DE LA MUSICA SU MENTE RECIBIA INFINITAS IMPRESIONES DEL MUNDO QUE LO RODEABA Y SE ASOMBRABA DE TODO ENTRE SUS SENSACIONES QUE LE LLEGABAN ATRAVEZ DEL OIDO ERAN SONIDOS Y RUIDOS .ELCANTO DE LOS PAJAROS ,EL DESPEÑARSE LAS CASCADAS LOS RUGIDOS DE LOS ANIMALES EL CILBIDO DEL VIENTO . UNDIA EL HOMBRE SE DIO CUENTA QUE EL TAMBIEN PODIA EMITIR RUIDOS ,GRITOS AULLIDOS,SONIDOS TORPES Y CONFUSOS EL HOMBRE LOGRO SERVIRSE DE ELLOS PARA FINES DISTINTOS ,EL CANTO Y LENGUAJE .EL HOMBRE PRIMITIVO LLEGO A CREAR EL LENGUAJE LIMITADO PARA ACOMPAÑAR SU CANTO .EL HOMBRE PRIMITIVO EMPEZO BATIENDO PALMAS O GOLPEANDO EL SUELO CON LOS PIES LUEGO HUSO DISTINTOS OBJETOS ,Y FINALMENTE CONSTRULLO OTROS DESTINADOS ATAL FIN LOS INSTRUMENTOS DE PERCUSION QUE PARECEN HABER SIDO LOS PRIMEROS UTILIZADOS POR EL HOMBRE SON LOS QUE PREVALECEN EN LAS TRIBUS SALVAJESLOS INSTRUMENTOS DE VIENTOS NO APARECIERON HASTA MAS TARDE YA QUE PRESUPONEN UN ESTADO MAS RUDIMENTARIO EL PROBLEMA DE LOS ORIGENES DELA MUSICA Y DELOS INTRUMENTOS DE VIENTO SERAN SIEMPRE INSOLUBLE LA MUSICA EN SU MAS ESTADO NATURAL HA NASIDO EL DESEO DE EXPRESAR SUS PROPIOS SENTIMIENTOS Y COMUNICARSELOS ALOS DEMAS POR MEDIO DE LA VOS Y LOS INTRUMENTOS QUE EL MISMO SE HA CONSTRUIDO LA FORMACION DE UN ARTE MUSICAL PRIMITIVO REQUIRIO DE MUCHO TIEMPO .LOS EGIPCIOS NO PARECIAN HABERBTENIDO UNA NOTACION MUSICAL,UNA ESCRITURA MUSICAL CREADA CON EL FIN DE CONSERVARY TRASMITIR SUS MELODIAS LOS CUALES SE CONFIABAN SOLOMENTE EN LA MEMORIA PERO EN CONPENSACIONLAS FIGURILLAS FUNERARIAS Y LOS BAJO RELIEVESY LAS LAS PNTURAS MURALESY TEMPLOS NOS HAN DE JADO UNA MUESTRA PALPANTE DE QUE LA MUSICA FUE CULTIVADA ATRAVEZ DEL NILO . LOS PRIMEROS INSTRUMENTOS QUE APARECIERON EN EGIPTO FUERON LOS DE PERCUCION REPRODUCIDOS EN BASIJAS DE BARRO PERTENECIENTES ALA PREHISTORIA EGIPCIA .POR LAS MISMAS FUENTES SABEMOS QUE HABIA CANTORES Y TAÑEDORES DE ARPA ,TAMBOR ,SISTRO.CROTALO SIMBALO ETC.LOS PUEBLOS ANTIGUOS DESCUBRIERON OTRO MEDIO DEPRODUCIR SONIDOS QUE AL HACER VIBRAR LAS CUERDAS . LAHISTORIA DE LA MUSICA ES EN GRAN PARTE SISTEMATICA LLA QUE CADA PUEBLO DENUESTRO MUNDO CREABA MUSICA ATRAVEZ DELOS SENTIDOS YPOCO A POCO HAN IDO ESCARBANDO YSESTORIZANDONOS DE QUE LA MUSICA HA IDO BAJNDO DE NIVEL .YDURANTE LLA HISTORIA DE LA MUSICA HA HSABIDO GRANDES MUSICOS MOZART ENTRE OTROS SE HA IDO GESTIONDOSE PARA LOGRAR ESE DESENPEÑO ARMONIOSO DONDE AFLORARON TODAS LAS CULTURAS UNIDAS EN UNA MISMA HARMONIA

HISTORIA DE LA MUSICA

LA MUSICA ESTAN ANTIGUA COMO EL MISMO HOMBRE LO DEMUESTRA EL HECHO DE QUE TODAS ENCIOENCIOENCIONLAS MITOLOGIAS COMPRENDENEL MITO CORRESPONDIENTES ASU INVENCION PERO NO SOLO ES ANTIGUA SINO COMUN,PUES TIENEN MUSICA TODASLAS CULTURAS,POR PRIMITIVAS QUE SEAN .EN EFECTO,INCLUSO AQUELLOS PUEBLOS QUE EN SIGLO VEINTE VIVEN EN TAN PRIMITIVAS CONDICIONES QUE SUS CULTURAS SE DIFIEREN MUY POCO DE LAS PREHISTORICAS,TIENEN SUS PROPIAS MANIFESTACIONES MUSICALES EL HOMBRE HA LEVADO SU MARAVILLOSA CURIOSIDAD INTECTUAL SE DEDICARA ASU ESTUDIO SE INTERESARA , POR SU HISTORIA POR CONOCER TODAS LAS ETAPAS PARA LLEGAR A LAS PRIMERAS MANIFESTACIONES MUSICALES HASTA LA MUSICA DE TODA LA HISTORIA HASTA NUESTROS DIAS. NADA SABEMOS ACARCA DELOS ORIGENES DELA MUSICA ESTAN DEMASIADOS LEJOS DE NOSOTROS LOS HERUDITOS CONTENPORANEOS HAN ESTUDIADO LAS MANIFESTACIONES MUSICALES DELOS PUEBLOS QUE TODAVIA VIVEN EN UN ESTAO QUE PUDIERAMOS DECIR PRIMITIVO ALGUNAS HIPOTESIS HAN SURGIDO EN QUE AQUELLAS EPOCAS REMOTAS EN LAS QUE LOS HOMBRES DIERON SUS PRIMEROS PASOS POREL CAMINO DE LA CIVILIZACION .UN DIA SE DIO CUENTA QUE PODIA DE QUE EL TAMBIEN PODIA EMITIR GRITOS ,AULLIDOS ,SONIDOS .ELUSO DE LOS ORGANOS VOCALES CON EL TIEMPO EL HOMBRE SERVIRSE DE ELLOS PARA DOS FINES DISTINTOS EL LENGUAJE Y EL CANTO NO ES VENTURADO SUPONER QUE ALGO PARECIDO CON ELCANTO DE NUSTROS ANTE PASADOS EL HOMBRE SINTIO LA NECESIDAD DE PRODUCIR SONIDOS PARA IMITAR EL CANTO DE LOS PAJAROS PARA ACOMPAÑAR EL TRABAJO R ESFUERSO FISICO Y DOAMINORAR EL ESFUERZO FISICO CON EL RITMO O COMUNICARSE CON SUS SEMEJANTES EL HOMBRE PRIMITIVO FUE BARRIENDO PALMAS O GOLPENDO EL SUELO CON LOS PIES LUEGO USO DISTINTOS OBJETOS